Musisz wiedzieć, jak edytować filmy, a nie tylko je kręcić. Są ze sobą tak blisko spokrewnieni, że musisz wiedzieć, jak powinien wyglądać gotowy film, zanim zaczniesz kręcić - a te wskazówki dotyczące edycji wideo są tutaj, aby pomóc.
Akcja dobiegła końca, zdjęcia zakończone, a cały materiał filmowy został pomyślnie uchwycony w kamerze. Ale edycja jest wtedy, gdy historia naprawdę się łączy. To tutaj grafika, dźwięk, muzyka, gradacja kolorów, inżynieria dźwięku i grafika zamieniają podstawowe materiały w gotowy film, który można obejrzeć i cieszyć się nim.
Sztuka edycji nie polega na tym, jakiego programu używasz, dodawanych LUT czy grafik, które tworzysz. Chodzi o podjęcie decyzji, które ujęcia użyć, a które odrzucić, jak wybrane ujęcia pasują do siebie i jak wykorzystasz dźwięk, aby połączyć ogólny wygląd i styl.
Udane kręcenie filmów polega na opowiadaniu historii. Wielkie produkcje dramatyczne Hollywood czy Netflix mają pod ręką setki ludzi, którzy tworzą wszystko, co pasuje do wizji reżysera. Od upewnienia się, że kolory ubrań, które są noszone na odlewach, są zgodne ze scenografią, po sprawdzenie, czy nie ma błędów ciągłości, a dialog i charakterystyka są całkowicie wiarygodne, to poważna operacja. Możesz nie mieć luksusu takich rzeczy w swojej produkcji i są szanse, że nakręcisz własny materiał i edytujesz go, być może jako część małego zespołu. Ale niezależnie od rozmiaru i skali projektu, wszystko to kończy się w pakiecie montażowym, w którym powstaje ostateczna wersja filmu. Oto nasz przewodnik po podstawowych zasadach edycji.
1. Zawsze strzelaj do edycji
Kiedy filmy były kręcone na prawdziwym filmie, którego przetworzenie kosztowało fortunę, wielu filmowców było słusznie bardzo oszczędnych, jeśli chodzi o ilość nakręconych materiałów. Ale w dzisiejszych czasach dzięki aparatom cyfrowym o wysokiej rozdzielczości można łatwo robić zdjęcia, dzięki czemu masz o wiele więcej materiału filmowego, niż faktycznie potrzebujesz. Zatyka dyski twarde i pochłania czas edycji. Ale nie jest dobrze mieć dużo materiału filmowego z tej samej części sceny. Różnorodne kąty i punkty widzenia znacznie ułatwiają ostateczną edycję. Niskie strzały, szerokie strzały, strzały znad głowy - każdy strzał daje inną opcję. Dobry filmowiec myśli o tym, w jaki sposób ujęcia mogą lub mogą zostać wykorzystane w montażu podczas planowania i kręcenia zdjęć.
Najlepsze kamery 4K do kręcenia filmów • Najlepsze kamery kinowe
2. Wykonuj właściwe ujęcia
Większość scen wymaga różnych ujęć. Zazwyczaj potrzebne jest szerokie ujęcie przygotowujące, aby dać widzowi pewien kontekst. Następnie kilka ujęć ze średniego i zbliżenia, aby opowiedzieć historię. A podczas każdego cięcia między dwoma różnymi kamerami pozycja kamery powinna zmieniać się o co najmniej 30 stopni między ujęciami, bo inaczej będzie wyglądać na pomyłkę. W przypadku sekwencji akcji najlepiej jest kręcić z dwóch różnych pozycji kamery, aby móc przełączać się między nimi podczas edycji. I staraj się trzymać zasady 180 stopni, w której wyobrażasz sobie linię między dwoma rozmawiającymi przedmiotami, a kamera zawsze pozostaje po jednej stronie tej linii. Więc w edycji wygląda na to, że rozmawiają ze sobą, a nie oboje zwróceni w ten sam sposób.
Najlepsze soczewki filmowe
3. Nie bądź cenny
Często najtrudniejsze ujęcia, które są oszałamiające wizualnie, mogą nie być idealne do opowiadania historii. Więc nie bądź cenny, jeśli chodzi o niesamowite nagrania, które nakręciłeś, ponieważ ważna jest historia. Wybierz klipy przedstawiające najważniejsze działania, które pomogą opowiedzieć historię. Wszystko inne można pominąć. Nie oznacza to, że każdy strzał powinien być taki sam - daleko od tego! Spróbuj pokazać coś nowego przy każdym ujęciu, na przykład inny obiekt lub alternatywny widok sceny, na przykład szersze lub mocniejsze ujęcie lub z innej pozycji aparatu. Podczas cięcia zmieniaj rozmiar i kąt śrutu. Nie tnij między dwoma podobnymi ujęciami tej samej rzeczy.
4. Pomyśl o tempie
Kiedy edytujesz swoje ujęcia, jedna maksyma mówi, że każde ujęcie powinno pozostać na ekranie przez odpowiedni czas - wystarczająco długo, aby widz mógł zrozumieć, co się dzieje, ale nie za długo, aby się nudzić. Dlatego zbliżenia lub proste ujęcia bez ruchu najlepiej trzymać krótko. Ale szerokie ujęcia z mnóstwem wydarzeń lub pełne akcji sceny z wieloma tematami najlepiej pozostawić widzowi na dłużej, aby mógł zrozumieć, co się dzieje. Pomyśl też o tempie. Wiele krótkich, urywanych ujęć nie pasuje do dłuższych, wolniejszych ujęć. Tempo może naprawdę wpłynąć na to, jak widzowie odbierają film.
5. Nie bądź zbyt wymyślny dzięki efektownej edycji
Jeśli nie tworzysz popowego teledysku dla dynamicznego zespołu rockowego lub może reklamy akcji sportów ekstremalnych, często najlepiej jest trzymać się konwencjonalnych cięć i przejść, które pasują do tempa filmu. Standardowe cięcia sprawdzają się w przypadku wielu ujęć, w których akcja toczy się od jednej sceny do drugiej. Rozpuszczanie krzyża, w którym jeden strzał przechodzi w drugi, jest często używane do pokazania, że pominięto krótki czas lub część podróży. Błyskotliwe przejścia i ściereczki, z których wiele jest standardem w wielu programach do edycji, mogą szybko wyglądać tandetnie i efektownie.
6. Naucz się kochać zwolnione tempo
Zwolnione tempo to jeden z najlepszych sposobów, aby dodać coś wyjątkowego do swoich filmów, a także może służyć do maskowania niestabilnego materiału filmowego! Większość spowolnienia jest wykonywana przez nagrywanie z większą liczbą klatek na sekundę w kamerze, a następnie spowolnienie w programie do edycji. Jeśli edytujesz na osi czasu 25 klatek na sekundę, ale wykonałeś 100 klatek na sekundę, możesz na przykład zwolnić do 4x zwolnionego tempa. Oczywiście spowolniony dźwięk jest bezużyteczny, więc musisz użyć czegoś, aby to zamaskować. Zwalnianie prędkości jest dobrą techniką do opanowania, w której ruch rozpoczyna się z normalną prędkością, a następnie zwalnia, aby szczyt akcji był w zwolnionym tempie, a następnie wraca do normalnej prędkości.
7. Nadal chodzi o dźwięk
Wszyscy filmowcy wiedzą, że dobry dźwięk jest niezbędny w każdym filmie. Dźwięk rozmawiających tematów lub na przykład maszyn pracujących w filmie o przemyśle jest oczywiście kluczowy i musi być profesjonalnie nagrany bez uwydatniania. Ale ważne jest również, aby nagrać jakiś dziki utwór - często nazywany tonem pomieszczenia lub po prostu atmosferą - do wykorzystania w klipach, aby nie pozostawać po prostu ciszy. W dramacie narracyjnym inżynieria dźwięku zapewnia niesamowity zakres dźwięków i efektów, które pomogą opowiedzieć historię. W filmie dokumentalnym nie bój się używać efektów dźwiękowych i odgłosów, jeśli nie możesz ich nagrać w rzeczywistości. Na przykład fale rozbijające się o plażę, druk komputerowy, dźwięk alarmu, śpiew ptaków lub wiwatujący tłum.
8. Przybij te kolory
Kolory i odcienie wpływają na nasze nastroje i ułatwiają opowiadanie historii. Jednak zanim zagłębimy się w subtelne spojrzenia i oceny, ważne jest, aby kolory filmu były naturalne i dobrze dopasowane. Każde ujęcie powinno zostać poprawione pod względem jasności, kontrastu, ekspozycji i balansu bieli za pomocą narzędzi kolorystycznych oprogramowania. Szczególnie ważne jest, aby dopasować rzeczy, gdy używasz różnych kamer i obiektywów w całym projekcie lub w różnych warunkach oświetleniowych. Wykonanie karty kolorów przed każdym zdjęciem znacznie to ułatwia. Dopiero wtedy powinieneś rozważyć użycie klasy kolorów, a nawet tablicy LUT, która wpływa na tony i kolory materiału filmowego, nadając mu określony styl. W razie wątpliwości zawsze działają neutralne kolory!
9. Postaw na łatwą grafikę i tytuły
Większość aplikacji do edycji zawiera wiele szablonów, z których możesz korzystać. Podpisy z niższych trzecich, tytuły, efekty, które sprawiają, że materiał filmowy wygląda tak, jakby był nagrywany kamerą z lat 60. XX wieku - wszystko jest dostępne za jednym kliknięciem. I idź surfować po Internecie, a są setki innych motywów, przejść, wyglądów i tytułów, które możesz kupić, aby podłączyć je do edytora wideo. Niektóre są świetne i można je regulować, inne są bardzo efektowne. Dlatego używaj ich ostrożnie. Prosta grafika i niższe trzecie tytuły napisane łatwą do odczytania czcionką pomagają opowiedzieć historię o tym, co dzieje się na ekranie.
10. Wybierz właściwy NLE
NLE - nieliniowy edytor - to oprogramowanie do edycji używane do wycinania projektu. Niektóre są bezpłatne, na przykład Windows Movie Maker lub iMovie, jeśli masz komputer Mac. Aby jednak uzyskać większą kontrolę i wyglądać profesjonalnie, najlepiej zainwestować w Final Cut Pro X na komputery Mac lub Adobe Premiere Pro i After Effects na komputery Mac lub komputery z systemem Windows. Wszystkie są stosunkowo przyjazne dla użytkownika, ale oferują w pełni profesjonalny przepływ pracy. Jedną z alternatyw jest DaVinci Resolve firmy Blackmagic, którą można pobrać bezpłatnie w wersji podstawowej, czyli więcej niż większość filmowców naprawdę potrzebuje. Resolve to branżowy standard korekcji i gradacji kolorów, który może być używany jako samodzielny program do edycji. Jest złożona, ale może dać niesamowite rezultaty.
Najlepsze oprogramowanie do edycji wideo
• Najlepsze kamery 4K do kręcenia filmów
• Najlepsze kamery kinowe
• Najlepsze soczewki filmowe
• Najlepsze statywy wideo
• Najlepsze oprogramowanie do edycji wideo
• Najlepsze laptopy do edycji wideo
