Fasolka po bretońsku w Weetabix stała się bananami w mediach społecznościowych, dzięki genialnemu marketingowi dwóch gigantów branży śniadaniowej. Twitter eksplodował, gdy ludzie hasztagowali, pstrykali i udostępniali zdjęcia własnej fasoli i mikstur bix - ale jeśli chcesz, aby Twój tweet zyskał popularność, musisz wziąć coś, co warto retweetować!
W tym miejscu pojawiają się niektóre klasyczne wskazówki dotyczące fotografowania jedzenia. Tak, obecna mania hashtagów jest trochę głupią zabawą, ale to nie znaczy, że nie warto poświęcać trochę czasu na ustawienie odpowiedniego ujęcia i robienie rzeczy właściwie - a świetne zdjęcie jest znacznie bardziej popularne niż ziarnista przystawka w telefonie!
W ostatnich latach fotografia żywności nabrała nowego życia. Nie jest to już niszowa dziedzina książek kucharskich i menu tanich restauracji - media społecznościowe sprawiły, że fotografia żywności stała się jednym z najpopularniejszych gatunków sztuki, a gotowanie (a nawet jedzenie) posiłku często jest drugorzędne.
• Najlepsze obiektywy do fotografii żywności
• Najlepsze książki o fotografii żywności
Obecna sytuacja zablokowania sprawia, że fotografowanie jedzenia jest jeszcze bardziej atrakcyjnym wyborem dla sfrustrowanych fotografów, którzy nie mogą wejść do prawdziwego świata. Mając niewiele więcej niż podstawowy zestaw aparatu i powierzchnie kuchenne, możesz stworzyć naprawdę smaczne ujęcia.
Chociaż ogólne zasady mają wiele wspólnego z martwą naturą i fotografowaniem produktów, fotografowanie jedzenia ma wiele własnych pułapek. Tak czy inaczej, będziesz potrzebować solidnych podstaw teorii i techniki fotograficznej - i oczywiście praktyka czyni mistrza! Podobnie jak gotowanie ulubionej potrawy, prawidłowe wykonanie może być o wiele bardziej skomplikowane, niż się wydaje.
Aby poprowadzić Cię na właściwą ścieżkę uchwycenia Twoich kulinarnych kreacji, wpadliśmy do kuchni z profesjonalnym fotografem kulinarnym Ewen Bell, aby zbadać zarówno sprzęt, jak i kluczowe umiejętności, aby uzyskać zdjęcia, które są tak samo ucztą dla oczu, jak dla żołądek…
Zobacz więcejDlaczego chleb miałby sprawiać tyle radości, skoro jest Weetabix? Podawanie @HeinzUK Beanz on bix na śniadanie z niespodzianką. #ItHasToBeHeinz #HaveYouHadYourWeetabix pic.twitter.com/R0xq4Plbd0 9 lutego 2022-2023
1. Pracuj w dobrym świetle
Najczęstszym błędem jest próba sfotografowania pięknego jedzenia w złym świetle. Aparaty widzą światło, a nie obiekty, nawet jeśli ten przedmiot jest pyszny!
Fotografowanie żywności zawsze zaczyna się od światła. Idealne światło jest miękkie, obfite i skośne. Chcesz mieć dużo światła do zabawy, ale zdecydowanie nie chcesz, aby na scenę wpadało bezpośrednie światło słoneczne; jest zbyt ostry i zbyt kontrastowy. Najlepszy stół w restauracji ma miejsce przy oknie, z jasnym światłem dziennym na zewnątrz i tylko przefiltrowanym światłem.
Ten scenariusz zamienia okno w duży softbox, wypełniając stół użytecznym światłem, które oferuje szeroki zakres kątów fotografowania. Punktem wyjścia jest strzelanie pod kątem w poprzek źródła światła. Ten kąt daje wystarczający kontrast, aby pokazać szczegóły sceny i uwydatnić kolory. Nie musisz wypełniać przeciwnej strony sceny tablicą odbijającą ani błyskiem wypełniającym, ponieważ możesz rozjaśnić niedoświetlone obszary surowych obrazów podczas przetwarzania plików - często jest to szybsze i dokładniejsze, aby wyregulować. dostroić pliki RAW, niż próbować zrobić to idealnie w aparacie.
Zmieniając kąt, tworzysz inną jakość światła dla sceny. Im więcej strzelasz w światło, tym więcej kontrastu i dramaturgii budujesz. Bogactwo kolorów zostaje zmniejszone, czerń jest utwardzona, a niektóre obszary mogą nawet wybuchnąć. Jest to akceptowalne ze względu na styl, jeśli szukasz dramatyzmu.
Alternatywnie, gdy zmienisz kąt, aby światło wpadało nieco bardziej z tyłu, scena wypełnia się bardziej, a kontrast spłaszcza się. Kontrolując kąt, pod jakim strzelasz w stosunku do okna, kontrolujesz również kontrast i kolor - nawet gdy światło jest bardzo, bardzo miękkie.
Nie ma znaczenia, jak niesamowicie wygląda Twoje jedzenie na talerzu, jeśli światło nie działa dla Ciebie - dobre jedzenie w złym świetle to nieudane zdjęcia. Z drugiej strony, w odpowiednim świetle prawie każda scena może wyglądać zachęcająco.
2. Edycja zdjęć
Obróbka plików RAW jest tak samo ważna jak sesja zdjęciowa. Najbardziej naturalne kolory często wynikają z łagodnego nasycenia, a nawet niewielkiego odciągania; jeśli zmagasz się z balansem kolorów, prawdopodobnie masz zbyt wysokie nasycenie.
W bardzo płaskim świetle może być konieczne lekkie podbicie kontrastu, aby nadać krawędziom twardość - dodanie kontrastu tylko na czarnym końcu histogramu pomoże zachować tony w innym miejscu sceny.
Dodatkowo można zwiększyć szczegółowość cieni, aby zrównoważyć scenę. Pamiętaj, aby użyć selektywnych korekt, aby dodać ekspozycję lub więcej szczegółów w cieniach, jeśli krytyczne elementy zostaną utracone w cieniu.
3. Rozważ flash
Problem z poleganiem na naturalnym świetle podczas fotografowania jedzenia polega na tym, że nie zawsze jest to takie naturalne. Odcienie kolorów mogą być rzucane na scenę przez drzewa na zewnątrz, wewnętrzne oświetlenie może dodawać kolorowe plamy do pomieszczenia, a ruch chmur w ciągu dnia może powodować dramatyczne zmiany kontrastu i temperatury kolorów.
Nigdy nie uzyskasz ładnego, czystego białego światła, chyba że przyniesiesz własne. Sprzęt Flash zapewni spójność fotografii i zmniejszy wysiłek związany z przetwarzaniem. Niezawodne lampy stroboskopowe zapewniają dokładny kolor i ilość światła z jednej klatki do drugiej. Jeśli kręcisz treści przez kilka dni, ale potrzebujesz spójnego wyglądu i stylu każdej klatki, najlepszym rozwiązaniem jest lampa błyskowa studyjna.
Oprócz tego, że jest bardzo praktyczny i niezawodny, kiedy już opanujesz swój sprzęt flash, możesz skoncentrować się na swojej kreatywności. Skala ma tutaj kluczowe znaczenie. Tak jak cieszymy się miękkim, obfitym, ukośnym światłem na stoliku w restauracji, tak samo staramy się osiągnąć ten sam efekt w pracowni.
Wymagany jest duży softbox zasilany wystarczająco wydajnym źródłem światła. 100 W lampy błyskowej to więcej niż potrzeba, aby nakręcić scenę na stole i wydobyć z niej chwile inspiracji.
Lampy błyskowe zasilane bateriami mogą wykonać zadanie, ale spalisz baterie, a ich regeneracja jest boleśnie powolna, gdy wyczerpuje się moc. Za tę samą cenę, co przyzwoita latarka, można kupić zestawy monobloków, które oferują jednostkę wtykową z wbudowanym odbiornikiem; wystarczy podłączyć do zasilania sieciowego i wsunąć wyzwalacz do aparatu i gotowe.
Niezawodne źródło światła jest niezbędne, dlatego warto zastanowić się, jak kształtować światło. Softboxy do fotografii żywności powinny być bardzo duże i zapewniać duże ilości wewnętrznej dyfuzji. Musisz zbliżyć softbox do sceny, tak blisko, jak to możliwe, aby światło było jak najbardziej rozproszone.
Jeśli twoje pudełka kształtujące światło nie są wystarczająco miękkie, a scena ma zbyt duży kontrast, po prostu dodaj dodatkowy ekran rozpraszający między jedzeniem a lampą błyskową.
4. Zatrzymaj ruch
Spójne oświetlenie ze studyjnej lampy błyskowej jest idealne do tworzenia krótkich klipów poklatkowych przedstawiających krok po kroku montaż lub prezentację potrawy.
Zablokuj aparat na statywie i zablokuj ostrość i ekspozycję - potrzebujesz tego samego dla każdej sceny. Dokonuj niewielkich zmian między klatkami, aby naśladować scenę w ruchu.
Przetwarzaj nieprzetworzone pliki do perfekcji przed wydrukowaniem poszczególnych klatek, a następnie przenieś zdjęcia do narzędzia do edycji wideo i użyj miękkich przejść, aby wygładzić ruch.
5. Cała magia dzieje się przy 50 mm
Pole widzenia obiektywu 50 mm to idealne miejsce do fotografowania martwej natury, w tym jedzenia. Wraz ze wzrostem pola widzenia, na przykład 35 mm, pojawiają się problemy z perspektywą, a im szerszy filmujesz, tym bliżej musisz się zbliżyć, co może jeszcze bardziej wyolbrzymiać perspektywę. Trudno też jest kontrolować tło przy użyciu szerszego obiektywu; nie zawsze chcesz, aby reszta pokoju została wciągnięta w kadr.
Problemem może być również zawężenie pola widzenia teleobiektywem. Dłuższe ogniskowe, na przykład 100 mm, spowodują kompresję sceny - możesz stracić poczucie głębi, a kompozycje mogą wyglądać płasko. Dłuższe obiektywy stwarzają również problemy logistyczne, gdy pracujesz w ograniczonej przestrzeni, ponieważ możesz nie mieć wystarczająco dużo miejsca, aby zrobić zdjęcie.
Wszystko działa znacznie lepiej, gdy zaczynasz od 50 mm. Jeśli korzystasz z pełnoklatkowego sensora, inną zaletą 50 mm jest to, że na rynku jest wiele niedrogich stałek.
Przysłona f / 2 jest idealna i kuszące jest użycie obiektywu 24-70 mm f / 2.8, jeśli już go masz, ale wtedy nie będziesz cieszyć się pełnym efektem obiektywu stałoogniskowego przy f / 2 - a ty musisz też radzić sobie z dużym, niezgrabnym obiektywem, który może przeszkadzać w procesie twórczym.
Odpowiednikiem obiektywu dla aparatów APS-C jest 35 mm f / 1,4, a dla mikro aparatów 4/3 25 mm f / 1,4. im mniejszy czujnik aparatu, tym większą głębię ostrości uzyskasz przy danej przysłonie, więc możesz poeksperymentować z przejściem do f / 1,4 zamiast f / 2 z tymi mniejszymi korpusami aparatu. Różnica między przysłonami f / 2 a f / 2.8 jest znacząca dla rozmycia tła, a jest jeszcze bardziej wyraźna przy f / 4.
Fotografowanie płytkie polega na zwróceniu uwagi na jeden element sceny, a stopień, w jakim stopisz resztę sceny, ma zasadnicze znaczenie dla kompozycji.
Twoja głębia ostrości zwiększa się również w miarę oddalania się od obiektu, więc im większa scena fotografowana z odległości 50 mm, tym dalej na południe może być konieczne obniżenie przysłony, aby uzyskać pożądany stopień rozmycia.
Fotografowanie z przysłoną f / 4 może wyglądać dramatycznie, gdy kadr ma rozmiar filiżanki do herbaty, ale nie ma żadnego wpływu, gdy cofniesz się, aby uchwycić pełne ustawienie stołu.
6. Rozważ skalę
Kiedy trzymamy w dłoni soczewkę, mamy tendencję do wchodzenia do środka, próbując zacieśnić kompozycję, wycinając wszystkie rzeczy, których nie chcemy w scenie. To jest proces redukcyjny. Kończymy z bardzo uproszczonymi kompozycjami i nie mamy pojęcia, gdzie popełniliśmy błąd.
Sztuczka budowania bogatszych i bardziej szczegółowych kompozycji z martwą naturą i jedzeniem polega na cofnięciu się i wprowadzeniu do kadru więcej, a nie mniej. To nie tylko kwestia innego obiektywu, to inna perspektywa; myślenie większe jest lepsze. Mamy obsesję na punkcie tego, co jest na talerzu, nie zdając sobie sprawy, że w ofercie jest większa scena.
Cofając się trochę, okazuje się, że strzelasz do stołu, a nie do naczynia. Teraz masz opcje dla swoich kompozycji. Cofnij się trochę dalej i masz restaurację, a nie tylko stolik. Na każdym poziomie skali masz różne opcje kompozycji.
Cofnięcie się pozwala umieścić danie w szerszym kontekście, z miejscem na poczucie miejsca. Podczas pracy w studio częstym błędem jest utrzymywanie małej skali. Ograniczenie się do ułamka ławki lub małego kawałka sklejki, który pomalowałeś, aby wyglądał jak zwietrzałe drewno, ogranicza również twoją kreatywność.
Aby uzyskać duże wyniki, musisz myśleć o czymś większym niż pudełko na chleb. Rozszerzenie skali strefy fotografowania pozwala również zrobić miejsce na wiele potraw. Jedna płyta oferuje znacznie mniej opcji niż dwie lub trzy.
Dzięki wielokrotnościom tego samego naczynia na stole lub ławce w studiu, tworzysz potencjał dla wielowarstwowych kompozycji. Poruszając się po okolicy, znajdziesz ujęcia w scenie, a te wielokrotności dania dadzą Ci wiele chwil inspiracji.
7. Uwzględnij trochę akcji
Martwa natura nie musi być spokojna, jeśli chodzi o jedzenie. Wprowadź trochę ruchu na scenę i ożyw ją. Uchwycenie ruchu w scenach dodaje wyrazu dobrej kompozycji - na przykład wylewanie płynów, para unosząca się z gorących naczyń lub po prostu posypywanie soli na danie.
Dodatkowo przygotowanie potraw i osoby, które je przygotowują, to świetne elementy do włączenia do serii zdjęć. Messy to magia; poczucie chaosu w kuchni lub składniki na stole warsztatowym dodają zainteresowania.
8. Stylizuj strzał
Zbudowanie ciekawej kompozycji wymaga szerokiego spektrum podejść, ze stylizacją jedzenia na jednym końcu i fotoreportażem na drugim. Możesz albo stworzyć od podstaw dokładnie taką scenę, jaką chcesz, używając rekwizytów i stylizacji, albo możesz szukać momentów w scenie, która już istnieje w prawdziwym świecie; najlepsze wyniki często pochodzą z połączenia tych dwóch.
Stylizacja to umiejętność dedykowana - na komercyjnej sesji stylista może w rzeczywistości zarobić więcej niż fotograf. Styliści dostarczają swoje rekwizyty i pomysły, a zazwyczaj koncepcja całej sesji najbardziej spoczywa w ich rękach.
Fotograf będzie musiał przejąć inicjatywę, manipulować światłem na swoją korzyść i upewnić się, że końcowa scena jest technicznie właściwa.
Dla fotografa praca z dobrym stylistą jest przyjemnością, ponieważ niosą ze sobą tak wiele kreatywnego ładunku. Mając stylistę przygotowującego scenę, możesz poświęcić swoją uwagę zadaniu znalezienia idealnej kompozycji - dla jednej osoby zajmowanie się zarówno fotografią, jak i stylizacją może być wymagające, ponieważ Twój mózg skacze między dwoma zadaniami a Tobą może nie być w stanie pomyślnie ukończyć ani w sposób satysfakcjonujący.
Podczas kręcenia w plenerze ważne jest, aby wziąć pod uwagę, jaką część oryginalnej postaci z restauracji lub kuchni chcesz przenieść na zdjęcia. Nakazy fotoreportażu nakazują ujawnienie charakteru tematu, a stylizacja jest próbą stworzenia go poprzez sztukę. W praktyce zawsze występuje jedno i drugie.
Lubię „kręcić wokół sceny”, kiedy odwiedzam restaurację lub inne miejsce. Proszę obsługę, aby nakryli stoły tak jak dla gości, a potrawy z nalewanymi winami przedstawiały - chcę zobaczyć, jak prezentują swoją pracę. Przy w pełni nakrytym stole zaczynam szukać elementów w scenie.
Szukam „bohatera” i wykopuję kompozycje, które przenikają przez wiele elementów. A potem mógłbym zacząć trochę stylizować stół - nie za dużo, tylko trochę. Dokonuję poprawek, usuwam elementy rozpraszające i dodaję warstwy do tła. Robię to przy zdjęciach plenerowych oraz podczas pracy ze stylistą w studio.
Połączenie tych dwóch podejść razem daje różnorodność obrazów, które można zebrać, i otwiera drzwi do innowacyjnych kompozycji, które są nieoczekiwanie satysfakcjonujące.
9. Pamiętaj, aby używać rekwizytów
Kluczem do wspaniałej stylizacji jedzenia jest posiadanie pod ręką rekwizytów, które uzupełniają scenę. Jeśli planujesz dużo kręcić w studiu, zacznij zbierać ciekawe rekwizyty, aby urozmaicić swoje sceny.
Składniki przepisu mogą służyć jako rekwizyty, a także naczynia i zastawa stołowa. Ludzie też mogą działać jako rekwizyty. Pomyśl o rękach zaangażowanych w scenę lub o personelu kuchennym obsługującym danie - skalowanie w celu wykonania szerszego zdjęcia pozwala na umieszczenie tych rekwizytów w kompozycji.
Odpowiedni rekwizyt może dodać kontekst do sceny, na przykład dzbanek herbaty i filiżanki obok kawałka ciasta. Rekwizyty mogą być również używane do dokładnego dodawania określonych kolorów do sceny, która upiększa główny temat.
10. Przejmij pełną kontrolę
To, co odróżnia fotografowanie żywności od innych gatunków, to stopień kontroli, jaką masz nad tematem. Możesz zrobić wszystko, co lubisz na scenie - możesz nawet to zjeść! Sterowanie oświetleniem sceny wielkości stołu jest łatwe w porównaniu do kręcenia pełnego zestawu studyjnego lub czekania na wschód słońca nad krajobrazem.
Jedzenie nie musi przybierać pozy ani wyrażać miny; siedzi tam i cicho przyjmuje uwagę, nie ruszając się. Oczywiście w pewnych granicach - uważaj na lody, ponieważ mogą się stopić w ciągu kilku minut, jeśli nie jesteś gotowy do strzału.
Skala i nieożywiony charakter fotografii żywności oznacza, że masz doskonałe możliwości komponowania. To świetny gatunek do odkrywania wykorzystania koloru, perspektywy i powtórzeń.
Nie myśl, że potrzebujesz wszystkich kolorów tęczy wciśniętych w jedną ramkę - zamiast tego spróbuj początkowo pracować z ograniczoną paletą kolorów i znajdź sposób na powtórzenie kolorów na scenie. I używaj więcej niż jednego dania w swojej stylizacji, wykorzystując większą skalę i większe pomysły.
Zmieniaj perspektywę podczas fotografowania - wypróbuj widok z góry, ale potem poszukaj innych kątów, które ujawnią mniej lub więcej niektórych elementów.
Fotografowanie potraw nadaje się do fotografowania na uwięzi i dobrze jest pracować z laptopem i kablem zabezpieczającym w studio lub w plenerze. To duża zaleta w porównaniu do oglądania tylko w aparacie, ponieważ uzyskujesz znacznie lepsze informacje zwrotne na temat subtelnych różnic w swoich ujęciach i dokładniejsze potwierdzenie tego, gdzie uderza Twoja płytka głębia ostrości.
Ponadto przejrzystość dużego ekranu laptopa zapewnia również lepsze renderowanie kompozycji, wraz z preferowanym przetwarzaniem, gdy każda klatka schodzi z aparatu. jednak podstawową zasadą jest, aby zawsze zaczynać od światła - nie ma znaczenia, jak interesujące jest jedzenie, jeśli nie masz dobrego światła. Celuj w miękkie, obfite, skośne światło.
Zmieniając perspektywę, możesz również zmienić kąt padania światła - na przykład dodając sól i pieprz, aby przyprawić potrawę, zmiana kąta pozwala dostroić wrażenie ujęcia.
Najlepsze obiektywy makro
Jak robić zdjęcia, z których chcą korzystać magazyny i firmy
215 technik fotograficznych, porad i wskazówek dotyczących robienia zdjęć czegokolwiek
50 najlepszych akcesoriów fotograficznych i fotograficznych
